ミュージカル
テンプレート:出典の明記 ミュージカル（英語：musical）は、音楽、歌、台詞およびダンスを結合させた演劇形式。ユーモア、ペーソス、愛、怒りといったさまざまな感情的要素と物語を組み合わせ、全体として言葉、音楽、動き、その他エンターテイメントの各種技術を統合したものである。したがってジョン・ケアードが言うように、俳優が突然「私が歌うナンバーだわ」と言っているように思えるミュージカルほど悪いものはない。トレバー・ナンは「歌詞の言葉は誇張されている。だが、単純な朗唱か歌唱では、単純でつまらなくなる〜パフォーマーは歌詞やメロディを自分たちが創造していると感じるところまで行き着くべきだ」[1]と言っているように、単純に歌と台詞と踊りが入っているだけの劇はミュージカルと言わない。ミュージカルとはミュージカル・シアター（演劇）の略語で、ミュージカル・プレイ、ミュージカル・コメディ、ミュージカル・レビューの総称である。
概要
ミュージカルは、通常の演劇（ストレートプレイ）の中に演出として劇中歌が入っているものとは異なる。
芝居、歌、ダンスがそれぞれ独立したものでなく、一体となって劇的効果を高めているのがミュージカルの特徴である。全編を通じて一貫したストーリーが進行するブックミュージカルと、ストーリーが無いブックレスミュージカル（またはコンセプトミュージカル）がある。通常ミュージカルと言えば、大半はブックミュージカルを指す。代表作としては、『マイ・フェア・レディ』、『屋根の上のヴァイオリン弾き』、『サウンド・オブ・ミュージック』などがある。ブックレスミュージカルの代表例としては『CATS』や『コーラスライン』などがある。
台詞も全て音楽に乗せて歌うオペラ形式のミュージカルもあり、こちらはポップオペラというジャンルと重なる。代表的な作品に『オペラ座の怪人』や『ジーザス・クライスト・スーパースター』などがある。
またミュージカルは舞台以外のメディア（映画、テレビ、テーマパークにおけるアトラクションなど）上で展開されることも大きな特徴である。まだ比較的新しい演劇形式である為、その方向性やスタイル、音楽においては、定まった形式が決まっておらず、聾唖者の手話やパペットを取り入れたり、前衛的な試みがいつも行われている。
ミュージカルという演劇形式そのものに自己言及する傾向があるのも大きな特徴である。いわゆるバックステージものと呼ばれる作品がミュージカルには多い。
ミュージカルは上演形式としては一幕または二幕からなる。ダンス・歌唱・楽曲の各要素の比率や構成には特に定まった形式はなく、レビューのように踊り中心のものから、ストレートプレイに近いものまで、さまざまな形式の作品がある。
台詞や歌のないダンスのみで構成された作品や、サーカスのような他の作品との融合、シェイクスピアなどの古典劇のミュージカル化など、様々な形式のミュージカルがある。舞台で上演するほかに、ミュージカル映画としても数多くの作品がある。たとえば『サウンド・オブ・ミュージック』、『南太平洋』、『踊る大紐育』が代表的な例であり、主としてメトロ・ゴールドウィン・メイヤースタジオが製作を手がけた。またディズニーも長編アニメーションでミュージカル作品を多数作っており、実写とアニメーションを合成した『メアリー・ポピンズ』のような異色作も製作している。これらのミュージカル映画は舞台作品を映画化したものと、映画のためにオリジナルの作品を新たに作るものとの二種類がある。
近年では、逆に有名な映画作品を舞台ミュージカル化する例（『イーストウィックの魔女たち』、『ナイン』、『ヘアスプレー』、『ザナドゥ (映画)』など）も見られるようになった。
また、最近では、既存のヒット曲をつないでミュージカル化した、いわゆるジュークボックス・ミュージカルという形式も流行していて、『マンマ・ミーア!』（ABBA）や『ウィ・ウィル・ロック・ユー』（クイーン）などが代表的である。
その他、コンピューターゲームの分野においても『マール王国の人形姫』シリーズの様に、ミュージカルの要素を取り入れた作品が試みられている[2][3]。
ミュージカルの歴史
ミュージカルの形成は、以下のような流れを経ている。パリで演じられていたオペラ・コミックを発端に、『地獄のオルフェ』（天国と地獄）を作曲したジャック・オッフェンバックに影響を受けたヨハン・シュトラウス2世がウィーンでオペレッタ（ウィンナ・オペレッタ）を発展させた。それがベルリンオペレッタで近代化し、さらにハーバート、フリムル、ロンバーグらがアメリカに持ち込んでニューオーリンズで行われていたショーとなり、ミュージカルが誕生したと言われる。第1次世界大戦後のオペレッタ作品とミュージカルを厳密に峻別することは困難だが、前者の、オペラ発声の歌手、クラシック編成の管弦楽団、バレエダンサーによる舞踊、ドイツ語歌詞といった要素が、後者の、地声による自由な歌唱と一体化したダンス(歌手とダンスを分担しない)、打楽器を多用した自由なバンド編成、英語歌詞といった形へと置き換えられていった。ベルリンオペレッタやロンバーグのミュージカルなど、過渡的な形態のものも少なくない。また、オペラとミュージカルの両方を書いているレナード・バーンスタインは、歌によってドラマが進行するのがオペラで、ドラマの結果としての感情を歌に託するのがミュージカルと定義しているが、これもひとつの説にすぎない。
構成
ミュージカルは通常の場合、15分程度の休息を挟んだ2幕構成であり、上演時間は2時間から3時間ほどである。まれに1幕構成の作品がある。
出演者は小規模な作品では1人から4人程度だが、大規模な作品になると40〜50人にもなる。コストを圧縮するために、1人で何役も演じるアンサンブルもしくはノーボディーと呼ばれる俳優がいることが多い。「レ・ミゼラブル」海外公演ではキャストが27人で100以上の役を演じた。[4]
音楽はオーケストラやバンドによる生演奏が基本だが、日本では興行的な問題などで劇団四季の様にしばしばテープによる演奏が行われる。通常は舞台下または舞台手前に設けられたオーケストラピットで演奏されるが、演出によっては舞台上に設定されたり、俳優に混じって演技の一部として演奏することがある。
興行形態
アメリカ、イギリス
ブロードウェイやウエスト・エンドでは、上演が始まると客足が落ちて収益が見込めなくなるまで興行が続けられる。そのため、ヒットした作品は何年でも上演を続けられ、数年、数十年に及ぶロングランとなる作品も少なくない（ → 最長連続上演記録については「ロングラン公演」を参照）。開幕すると翌日には新聞に劇評が掲載され、酷評によって数日で打ち切りとなる事例も多い。
新たな作品の制作には短くても1年以上の期間をかけることが多く、カンパニーと呼ばれる単位でミュージカルを制作する。プロデューサーが企画を立てて出資者を募り、オーディションで出演者を選抜してカンパニーを構成する。実力がありさえすれば新人でもオーディションに合格することができるので、一夜にして無名の新人が大スターになることもある。逆に名声の確立した大スターであっても役のイメージに合わなければ採用されない。アンダースタディとは、補欠・代役という意味で、基本的には本役の役者が演じるが、緊急の事故などの際に演じることのできるように、用意している役者がいて、公演に穴を開けないシステムで、チケット払い戻しによる損失を防いでいる。新人にとってはピンチをチャンスにかえるが、本役に支障が出なければデビューは無い。舞台装置は作品ごとに専用のセットと音響装置を舞台に作りこむのが普通で、劇場の設備を使用することはほとんどない。
ブロードウェイ・ミュージカルの場合、まずトライアウトと呼ばれる地方公演で観客の反応を見ながら作品の手直しを行う。時には曲や演出の大幅な変更、スタッフ、キャストなどの大幅な入替えを行う。ヒットしそうな作品に仕上がるとブロードウェイでの上演を行う[5]。これとは別に、オフ・ブロードウェイまたはオフ・オフ・ブロードウェイと呼ばれる小規模な劇場で実験的に上演し、好評であれば次第に大きな劇場に移るやり方もある。
ブロードウェイでヒットすると、オリジナルのカンパニーとは別に巡業用のツアーカンパニーを組織し全米各地で巡業を行ったり、シカゴやトロント、ロサンゼルス等の大都市でロングラン公演が行われることも多い。また、ワールドツアーカンパニーを組織して世界各地を従業して回ることもある。
日本
日本では、ミュージカル公演は劇団四季、宝塚歌劇団、ふるさときゃらばん、音楽座ミュージカル／Rカンパニーなどに代表される劇団形式と東宝、ホリプロなどの製作会社によるプロデュース方式が混在している。また、製作のほとんどが東京を中心とする首都圏か大阪を中心とする関西圏（宝塚歌劇団など）で行なわれている。
劇場の契約が週単位、月単位の場合が多いため、毎月演目が変わるレパートリー上演が主であり、専用劇場を持つ劇団四季以外はロングラン上演方式を採用していない。どんなに大ヒットしても1ヶ月でクローズするので、1ヶ月分以上の収益を見込めず、できの良い作品が高い収益を継続的に生み出すことが難しい形態となっている。また、上演し続けることで手直しを加えながら完成度を高めていくことも難しいため、自然と事前に集客力を見込める、知名度の高い既存のスターを中心とした座長芝居やブロードウエイやウェストエンド作品になりがちで、個人客よりも安定した動員を見込める団体客による集客も営業上重要になる。英語が国際用語であるのでネイティブでない外国人も英語を理解できる事もロングランを可能としている米英と違い（レ・ミゼラブルがフランス語で創作されたのに、英語化されてミュージカルとして成功したのも英語の集客力にある。）、日本語が国際用語でないのでロングラン公演を可能とする丈の集客力が無い。また日本の観劇人口が少ないこともロングランを難しくしている。近年の海外ミュージカルは歌唱部分が多く日本の興行が昼夜2回公演(海外は週8回公演で主に夜公演が中心)で俳優の声帯を守るために、日本では1つの役にダブルキャスト・トリプルキャストで様々な役者で複数のパターンで見られるメリットが有る反面、俳優人件費と衣装もダブル・トリプル必要で入場料に跳ね返っているために、少ない観劇人口を入り口で締め出していて利益を出すショービジネスに程遠い状況になっている。
日本語は「ん」以外全ての音節に母音があるので重唱すると誰が何を言っているのか聞き取りにくく、様々な時代の漢語を取り込んだので同音異義語が多く(アルファベット・ハングル・ピンインの違いで1音1文字の漢字だけで音が言葉になる海外と違い、日本語は字面を見ないと意味を間違えるので翻訳歌詞にするのが難しい。)欧米語のミュージカルでは1音に1単語をあてられるのに比べ、音符の制約を受ける日本語翻訳の歌詞は1音に1文字をあてるので言葉が少なくなる事が、ミュージカルのストーリーを分かりにくくしている。それでも、東京公演が盛んなのは、俳優志望の者が勉強として観劇するからで、地方では観劇が娯楽なので割引や景品として売り出されないと空席を埋まらない。
また地方公演では、地方公共団体のホールの貸出規則が厳しく、ロングラン公演はおろか月単位での公演を行うのも難しい。
欧米系ミュージカルは、以前から映画化されサントラ盤で歌唱部分を家庭で楽しむ事が出来たが、DVDが出てからはストーリーを字幕で、歌唱を原語で楽しむ事が出来、海外を市場とする欧米系ミュージカルDVDは購入価格も安価になるので、ミュージカル映画を家庭で楽しむことに貢献したが、演劇と映画が相乗効果を上げている海外とは対照的に、かえって入場料金の高い日本のミュージカル公演から客足を遠のかせている。
一方、近年では漫画を原作としたミュージカルが、これまでミュージカルに馴染みのなかった層を中心に人気を集めている。特に集英社はテニスの王子様やBLEACHなど、週刊少年ジャンプ連載作品を次々ミュージカル化し、中にはシリーズ化されて十年近く公演が続いている作品もある。問題となる劇場の確保やスタッフのギャラ、広告宣伝費も資金に余裕のある大手出版社であるため、開始当初は空席が目立つ赤字公演（テニスの王子様）であっても、人気が出るまで上演を継続できる利点がある。
日本のカーテンコールについてジョン・ケアードは、「ブロードウェイのスタンディングオベーションには慣れていたけど拍手はコートを着ている1分間。でもここ(日本)では、カーテンコールが5回、10回、20回も。」[6]と語っているが、日本に比べ短いカーテンコールは、日本以外の夜公演は平日でも開幕が20時と遅く(退社後帰宅し食事・着替えする通勤時間が短い職住接近のため。)終演も遅いので帰宅時間が明日の予定に差し障ることを嫌うからである。
ミュージカルから生まれたヒットソング
ミュージカルの中のナンバーが作品を離れて、ヒットソングとなることがある。
『ラ・マンチャの男』の「見果てぬ夢」や『Annie』の「Tomorrow」はさまざまな歌手によってカバー版が歌われた。
『CATS』の「メモリー」は作品よりも先に世界的なヒットとなり、『ジキル&ハイド』の「今このとき」は1992年アルベールビル冬季オリンピックの公式テーマ曲に選ばれた。
『わたしを野球につれてって』のタイトルナンバー「わたしを野球につれてって」はアメリカのメジャー・リーグの7回攻撃前に必ず球場で観衆が歌う事が慣例となっている。
サッカーのサポーターソングとして知られる『ユール・ネヴァー・ウォーク・アローン』は、もともと『回転木馬』のナンバーである。
また、『サウンド・オブ・ミュージック』からは多くのヒット曲が生まれ、「ドレミのうた」「エーデルワイス」「私のお気に入り」などは、さまざまにアレンジされてカバーされ、今やもともとのミュージカルを離れ、世界的にポピュラーな曲となっている。
日本では1960年に初演された「見上げてごらん夜の星を」のタイトルナンバーがヒットした例がある。
